El arte urbano o arte callejero es todo lo que vemos en la calle en forma de expresiones artísticas. El que, probablemente, hemos escuchado muchas veces, es el grafiti. Sin embargo, hoy en día es mucho más que eso; se usan mucha ténicas, entre las que encontramos plantillas (stencils), posters, pegatinas, murales, entre otros.

Los stencils tuvieron sus inicios en París durante los años 60′, básicamente con mensajes políticos. Sin embargo, a medidado de los 90 tuvo su auge gracias al trabajo del norteamericano Shepard Fairey cuando llevó a cabo la campaña “Obey” (de “obedecer”, obedecer al gigante).

Las ciudades claves en donde se lleva a cabo este arte urbao o “street art” son Londres, Barcelona, Berlín, Sao Paulo y Toronto. En Chile, entre tanto, esta técnica se viene dando desde hace varios años y es así como todavía podemos ver corazones plasmados en las veredas de Avenida Los Leones (en Santiago), enormes murallas en Avenida Ossa pintadas por el conocido grafitero “Green” o bien las innumerables figuras multicolores en los miles de cerros de Valparaíso, por mencionar algunas de las obras de esta forma de expresión artística.

Les dejamos un video del arte urbano en Chile.

En el escenario sólo se juega con la iluminación y la música,  porque en “Huésped”, sus actores se encuentran despojados de todo elemento,  para así poder desarrollar por completo la interpretación irónica de lo cruel de las relaciones humanas.

La directora de la obra de teatro, Laura Maldonado, cuenta que la historia está basada en el texto del dramaturgo Marius Von Mayenburg, “Parásito”, pero representado por las vivencias personales del elenco.

“Tomamos como precursor el libro, pero nos basamos en nuestras experiencias. La obra posee un trabajo personal. Uno se puede ver reflejado con la relación que tienen los personajes, la que termina por transformarse en un juego de quién resiste más”, detalla Maldonado.

“Huésped” no se aleja del texto en el que se basó la compañía de teatro, en cambio fueron rigurosos en las imágenes y acciones descritas, asegura la directora. Sin embargo, la obra en sí es una investigación escénica, basada en los ensayos, y que posee detalles personales como la creación musical propia, a cargo de Nataniel Izquierdo.

Sobre el significado del título de la representación, Maldonado cuenta que “la historia se llama así porque primero la protagonista llega a alojar a la casa de su hermana. Pero el trasfondo es que en el libro de Von Mayenburg, su autor denomina a las relaciones humanas como parasitarias, y un parásito al final es un huésped”, explica.

La obra, que se estará presentando desde el 3 de septiembre hasta el 2 de octubre en Sala Arcos (Victoria Subercaseaux 99, Barrio Lastarria, Metro Universidad Católica), se desenvuelve en el género dramático del teatro, y como relata su directora, muestra como una relación se va desgastando al extremo que las peleas parecen ridículas y todo se vuelve absurdo.

El responsable de las obras que ahora adornan la estación Baquedano de la Línea 5, y que se titulan “Rostros Bicentenarios”, se declara autodidacta. Su nombre es Guillermo Lorca, y es uno de los artistas más jóvenes en tener una exposición permanente en el Metro de Santiago.

La muestra está compuesta por seis óleos de formato grande (3,6 x 2,9 metros), los cuales buscan reflejar la identidad social del Chile de hoy, a través de retratos de personas anónimas, con el más puro estilo realista.
Detrás de esta exposición, su creador de 25 años, buscó plasmar con sus cuadros al usuario promedio del tren, con un estilo de “pintura medio sucia, con ese ambiente oscuro”, como declara en una entrevista otorgada a un diario nacional.

Hijo de la escritora Beatriz García-Huidobro, cuenta que las visitas a museos eran un panorama recurrente, y que las pinturas de Claudio Bravo le gustaban mucho. Después, ese deleite se transformó en dibujos plasmados en sus cuadernos de colegio, y a los 18 años, decidió tener clases con Sergio Montero.

Estuvo tres años en la Universidad Católica de Chile, pero decidió abandonar los estudios para enfocarse totalmente en la pintura, “a su manera”. Y fue así que los trabajos que desarrolló por motivación propia lo llevaron a postular, a través del Forum Gallery de Nueva York, a la posibilidad de trabajar con el artista noruego Odd Nerdrum. Y no fue hasta unos meses después, que su esfuerzo y empeño lo hizo convertirse en el único estudiante sudamericano en ser discípulo de él.

Ahora, después de seguir un camino poco tradicional, este joven chileno posee una serie de obras permanentes en la estación más concurrida del Metro de Santiago. Sin olvidar que comparte un lugar con destacados artistas: Osvaldo Peña, Francisco Smythe, Samy Benmayor, Matías Pinto D’Aguiar y Hernán Miranda.

En los cuadros de Christiane Pooley el juego de la perspectiva, las pinceladas y la presencia de sujetos anónimos; son elementos protagónicos en su muestra “Atrapados en lo desconocido”.

La artista nacional, titulada de la Pontificia Universidad Católica de Chile y con un postgrado en Chelsea College of Art and Design de Londres, estará desde el 4 de agosto hasta 4 de septiembre en la Galería Patricia Ready, en donde pone a prueba el arte, la ilusión y la realidad.

En la exposición se puede apreciar un conjunto de pinturas realizadas en base a óleos y esmaltes, que van desde los 15 centímetros a los dos metros, y que revelan paisajes o espacios ocupados por personas, a veces solas o en grupos.

Christiane cuenta a Arte en Chile que  su trabajo está hecho a partir de una tensión entre control y accidente, ya que necesita mantener un grado de sorpresa y descontrol en sus creaciones.

¿Y por qué los personajes en tus pinturas están siempre de espalda mirando los paisajes? ¿Qué significado tiene para ti eso?

Christiane Pooley (CP): Cuando comencé a mostrar mi trabajo, empecé a interesarme no sólo en la relación que establecía con la imagen y la materialidad de la pintura, sino también en la correspondencia que se creaba, posteriormente, entre el espectador y la pintura-objeto que colgaba de la pared.

Empecé a documentar a los espectadores de mi obra y a representarlos dentro de la pintura, generalmente de espaldas. A veces las figuras ocupan gran parte de la composición, otras veces son llevadas a una escala minúscula y parecen vagar sin rumbo en el espacio de la tela. Me interesa que los cuerpos no encaren al observador de manera frontal, sino que lo inviten a ser parte de un juego de miradas, dirigidas hacia y desde dentro de la ilusión de la pintura.

¿Los paisajes que pintas existen en realidad o son creación tuya?

CP: Pinto a partir de fotografías,  ya sean tomadas por mi, o encontradas en Internet (Google, Facebook, Flicker, etc.). Generalmente manipulo y apropio imágenes para armar un modelo inicial, el cual vuelvo a reformular mientras pinto. Siempre trabajo a partir de algo, lo que me interesa, es el modo en que la imagen de ese algo, puede llegar a funcionar en la superficie.

¿Utilizas otras técnicas para tus obras?

CP: Manipulo imágenes de diferentes formas: las imprimo, corto, junto, vuelvo a fotografiar. También pinto sobre diversos materiales como tela, papel, madera, metal.

¿Qué es para ti pintar?

CP: Me interesa la dualidad que posee la pintura, ya que es simultáneamente un objeto físico y una imagen visual, y experimento con la idea de que la pintura se halla en un estado de limbo, atrapada entre ser una ilusión y un objeto real, tangible.

Por este motivo, gran parte de mi interés ha estado puesto en entender y aprovechar las posibilidades presentes en la superficie del soporte, y establecer este territorio como un lugar físico preponderante, independiente de las imágenes que ahí se representan. Para eso, he explorado diferentes formas de manipular los materiales, como también diferentes sistemas de representación. Me gusta entender el soporte de la pintura como una zona para experimentar.

El artista nacional José Mansilla-Miranda hace 30 años que se fue de Chile para estudiar diseño, bellas artes y diseño gráfico en Canadá. Desde entonces reside en el hemisferio norte, pero eso no significó que se desligara de sus raíces, al contrario, el misticismo con el que creció en Isla Calbuco, X región, son el motor de inspiración de sus obras.

“La tradición oral, los cuentos alrededor del fogón, los mitos y el sincretismo religioso, jugaron un rol importante en mi desarrollo personal. Estas experiencias de vida me despertaron a temprana edad, una percepción mítica del paisaje y una fragilidad frente al poder de la naturaleza. Fue así como después, estas memorias y experiencias fueron el refugio y motor que me impulsaron a una vida creativa”, cuenta Mansilla-Miranda.

Su última muestra que se está exhibiendo en Galería Animal, llamada “Memoria de Fuego”, refleja la búsqueda constante que tiene por la sabiduría ancestral y la mitología cultural; todo en una obra multimedia compuesta por pinturas, dibujos, esculturas, sonidos ambientales y performance.

Para José,  más que una exposición sobre los mitos del fuego de dos culturas canoeras del Océano Pacífico, esta realización es el resultado de la travesía que hizo en busca de nuevas verdades e iconografías totémicas para su conciencia artística.

La muestra es producto de una investigación in situ del artista por la Isla Nootka, en la provincia más occidental de Canadá, en donde se encuentra la cultura Nuu-chah-nulth. Asimismo, viajó al extremo sur de Chile, exactamente a la Isla Navarino, para estudiar a los yaganes.

En ambas expediciones, Mansilla-Miranda recorrió los territorios, caminando o navegando, para comprobar como estas tribus extremas del continente americano están unidas por el misticismo del fuego.

“Creo firmemente que este fuego cruzó navegando el Estrecho de Bering y continuo su viaje en las canoas de nuestros ancestros por la costa hasta llegar al extremo austral de América”, cuenta al explicar la conexión y similitud de las historias sobre el descubrimiento del fuego entre los Nuu-chah-nulth y los yaganes.

José relata que “Memoria de Fuego” nació gracias a una invitación que recibió de la Universidad de Magallanes, en Punta Arenas, para ser panelista de la conferencia “Identidad y las Artes”, en donde se habló de la historia y mítica de la Tierra del Fuego.

De regreso en Canadá, este “nuevo conocimiento territorial”, como lo describe el autor,  lo motivó a para expresar su sentido de pertenecía a dos territorios. “Decidí trabajar obras de arte ancladas en las creencias y enseñanzas ancestrales de mis dos patrias”, confiesa.

Asimismo, el artista confiesa que la exposición que estará presente hasta el 31 de julio en Santiago, es un mapa autobiográfico “refinado” de él y su conciencia sobre la humanización y descolonización de las primeras naciones de América.

“Memoria de Fuego” está compuesta por ocho intervenciones pictóricas sobre cartas de navegación, las cuales fueron reinterpretadas por José Mansilla-Miranda con grafito, tinta, óleo y aceite de lobo marino. Junto a ellas se presenta un poema, la escultura de una loba de madera de raulí y la pieza preferida de su creador, un barquito de madera de cedro proveniente de Port Harvy, de la Isla Vancouver. Y todo esto acompañado del sonido ambiente del aullido de lobos, el cual recrea el misticismo de ambas culturas.

La pintora nacional Tatiana Lastarria,  desde hace cinco años que tenía en mente plasmar la purificación de las tragedias humanas y personales en una muestra, la cual finalmente concluyó y ha llamado “Canción de Amor”, y que estará presentando desde el miércoles 16 hasta el 31 de julio.

Oriunda de Valparaíso, esta artista explica que siempre ha querido “luchar contra el mundo estúpido” a través de la pintura. Los ocho óleos que expone en la Galería Patricia Ready, son muestra de ello.

“El arte tiene el poder de expiar todo lo malo que uno tiene, y atrae buenas vibraciones, al igual que el humo según creen algunas culturas, ambos eliminan los demonios exteriores e interiores”, cuenta Tatiana y agrega que en otras sociedades el humo posee una unión entre lo terrenal y lo celestial, lo mismo que ella trata de plasmar en el lienzo.

Es así como las catástrofes que han marcado en este último tiempo a la humanidad, como el derrame de petróleo en el Golfo de México, la erupción del volcán en Islandia, el terrorismo y toda la crueldad que existe en los seres humanos; son la inspiración de esta artista plástica que juega con el blanco y el negro en sus cuadros.

Ella cuenta que uno de las influencias de su arte es la tendencia de los años 20, llamada “Pintura Metafísica”, la cual buscaba encontrar las respuestas del mundo en una época que estaba entre guerras.

“Mis referentes más contemporáneos son Joseph Baus y Gerhard Richter. Mientras que en Chile es mi profesor de universidad, José Basso”, detalla.

Para Tatiana la muestra “Canción de Amor” es parte de un ciclo de su vida, que cierra cuando la exposición se termina,  abriendo paso a una nueva etapa con otros proyectos que ya tiene en mente.

Con una trama que gira entorno al concepto de la “basura” que hay en las relaciones humanas, en la sociedad, el amor y en el lenguaje; ha estado en cartelera durante todo abril la obra de teatro “Surabai” en Lastarria 90.

El domingo 2 de mayo será la última función, ante esto su directora y autora, Manuela Oyarzún cuenta que el público ha tenido buena respuesta frente al concepto que entrega la historia de los tres protagonistas, pero que a la vez, les ha sido compleja de interpretar en un principio.

“’Surabai’ está cargada de simbolismos, por lo que requiere un trabajo de interpretación personal. Nunca me ha gustado el teatro evidente, por eso tampoco impongo una reflexión, y eso a la gente le parece extraño porque están acostumbrados a discursos reales y directos”, detalla la directora.

La autora manifiesta que más allá de hablar de la típica trama de desamor, se muestra una historia positiva en la que se aceptan ciertas cosas de la existencia. “Hace dos años, cuando escribí la trama, siempre pensé en una puesta en escena con imágenes de la basura fuera de mí, pero en el transcurso del tiempo cambiaron muchas cosas en mi vida y terminó dando un giro el relato”, cuenta Manuela Oyarzún.

Actualmente, además de estar actuando en la obra, Manuela Oyarzún cuenta que está trabajando en un proyecto de adaptación de una comedia austriaca. “Estoy adecuando un texto a la realidad chilena, que tiene que ver con la justicia y la verdad”, dice.

Después que salga de cartelera “Surabai”, la directora pretende volver  a montarla este año 2010 en otro escenario de Santiago. Además revela sus ganas de llevar la obra a regiones, aunque reconoce que es “un poco difícil” hacerlo, por la disponibilidad de lugares después del terremoto.

Entusiasmados con el comienzo del “Brasil em Chile- Chile en Brasil Festival”, los artistas y organizadores provenientes del país carioca presentarán su arte desde este miércoles 7 de julio hasta el 10 de julio en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y en el Teatro Nescafé de las Artes.

Su organizador, el productor brasileño Luis Melo cuenta que es la primera vez que se realiza este certamen, el cual desea intercambiar las expresiones de su cultura en danza, teatro, música, cine y exposiciones.

“Estamos felices por estar en Chile y tener la posibilidad de comenzar este intercambio cultural que quiere dejar como sello cultural la cooperación entre los países del Mercosur”, dice Melo.

Y es que el productor explica que este proyecto además de organizar presentaciones en Santiago de artistas cariocas, desde el 27 al 30 de julio habrá chilenos que muestren sus obras en Fortaleza, Brasil.

“Queremos realmente imprimir el intercambio entre naciones, y acá en Chile, que el público pueda ver todas las diversas representaciones de nuestra cultura”, afirma Luis Melo, quien detalla que no sólo hay muestras folclóricas, sino que también de un Brasil más actual.

“Por ejemplo la muestra que se inaugurará hoy a las 20:30 horas de Milena Travassos, llamada  ‘Pequeña sala de ayuno’, es una exposición que posee mucha tecnología y arte pero en cambio el grupo de danza que se presenta el viernes, muestra la cultura del interior de Brasil”, cuenta el coordinado artístico general.

En total serán 30 brasileños que estarán un par de días en Santiago, mientras que en Fortaleza serán 40 chilenos, y según relata el productor de “Brasil em Chile- Chile en Brasil Festival”, la idea es repetir esto el próximo año.

“Existe el proyecto de querer hacer una segunda edición en Chile, y además, agregar a Argentina en este intercambio latinoamericano”, manifiesta.

Asimismo, relata que la idea de este proyecto es ir agregando más elementos, hacerlo con un carácter más popular como por ejemplo agregar lo que es la cultura mapuche, además de sumar otras disciplinas artísticas como literatura y poesía.

Para participar en 2011 de la segunda versión es posible postular a través de la página del festival: www.brasilchile.com.

Una de las ferias anuales más importante de Latinoamérica, ArteBa, finaliza hoy tras cuatro días de intensas actividades, con distintos países invitados, en donde se  demostró el potencial que existe en el arte contemporáneo de la región. Y como no podía faltar, Chile también estuvo presente.

Este año Argentina celebra su bicentenario, al igual que Colombia, México, Venezuela y Chile. Es por ello que la 19ª versión de este festival no solamente presentó obras locales, también incluyó galeristas y artistas de dichos países, como forma de celebrar el potencial que existe en América Latina.

El presidente de ArteBa’10, Facundo Gómez Minujín, manifiesta en una entrevista a EFE, que el arte latinoamericano está empezando a “ser foco en el mundo” desde 2007, luego de haber estado por “años relegados” bajo la sombra de los países emergentes asiáticos.

Asimismo, Gómez Minujín considera que las obras expuestas son “igual o más” contemporáneo que el producido en otros continentes, pero con la diferencia de que están a un precio más competitivo que en Europa o Estados Unidos.

Es así como en esta celebración, el presidente de ArteBa cree que en general el arte latinoamericano no posee una “temática común”, más bien se basa en la situación del momento a partir de diversas realidades que viven los distintos países.
“El arte colombiano refleja el fenómeno de las guerrillas y el narcotráfico, mientras que Chile ofrece una visión más aislada y alejada, y Argentina es puro cosmopolitismo”, explica a EFE.

Con lo que respecta a la presencia chilena en ArteBa’10, tanto Galería Animal como Sala Cero estuvieron invitados por segunda vez, pero con la diferencia de que cada uno se presentó por primera vez en stands separados.

Fue así como Galería Animal expuso las obras de Gonzalo Cienfuegos, Jorge Tacla, Patrick Steeger, Emma Malig, Patricia Claro, Jorge Lankin y Hernán Gana; Sala Cero exhibió el arte de Cecilia Avendaño, José Pedro Godoy, Carlos Gómez, Pablo Serra, Basco Vazko y Mauricio Garrido.

Para este año, la concurrencia a la feria bonaerense registró un aumento en comparación a la edición anterior, la cual registró 125 mil personas. Esto se vio reflejado tanto en las ventas como en los visitantes que disfrutaron desde el 25 al 29 de junio del arte latinoamericano.

*”La Mole”, del artista chileno Pablo Serra.

**”Re-Corte de Agua”, de la chilena Patricia Claro.